Pillole d'arte

ADDIO A PIERO GILARDI

Ricordo la visita al suo studio, con papà, una ventina d'anni fa. Conoscevo già bene la sua ricerca, ne avevo ben intuito - nell'istintivo amore per le sue opere - la portata rivoluzionaria, non solo sul piano artistico, ma anche ideologico. 

Ma visitare la fucina di un artista è un'esperienza mistica. Non può non cambiarti dentro, nel profondo. 

Mi trovai immersa in una natura "artificiale", tra le sue sculture bizzarre e i suoi "Tappeti-natura", che avevamo appesi anche alle pareti di casa nostra. Gilardi raccontava, spiegava, parlava con papà di quanto fosse distante dal "sistema mercato". Ed io ascoltavo, ma nel medesimo tempo ero rapita da queste sue composizioni in poliuretano pigmentato che riproducevano, reinventandoli, frammenti di natura. Giardini, spiagge, composizioni floreali, nature morte che però nelle sue teche parevano assolutamente vive, tangibili. Un'attitudine trasformativa la sua. Come tutti i grandi maestri del Novecento, pur non rinnegando il riferimento al vero, è in grado assolutamente di trasfigurarlo. Tutto assume - persino la natura - una connotazione ludica, capace di portare oltre la realtà, in una nuova dimensione, che è quella dell'artista. Una dimensione di cui possiamo appropriarci solo attingendo a nostra volta alla nostra capacità astrattiva e al nostro saper riscoprire la fantasia. 

Gilardi ci conduce per mano a recuperare il rapporto ancestrale con la natura, con quell'altro da sé che in realtà è parte assolutamente preziosa del nostro vivere. Il suo pensiero - che è un unicum con la sua arte - non è ideologia tout court. È inno alla vita, invito al rispetto per il pianeta che ci ospita e per la vita, che è energia, colore, immersività nella bellezza più autentica. L'artificio è medium che ha senso solo se riporta al recupero di un senso panico, baudleriano con quel tempio che ci ospita e ci parla per confuse parole fra foreste di simboli. Gilardi si nutre di quei simboli e di quel mistero. Li attraversa e ce li restituisce nuovi. Lo fa senza adagiarsi su alcuna via acclarata, senza appartenere a correnti, sapendo essere solo se stesso e per questo conquistando non solo l'attenzione della critica e del mercato italiano, ma di quelli internazionali. 

Queste mie poche righe, scritte di getto, non vogliono essere una "critica" del grande maestro, ma il giusto tributo al mio ricordo e alla passione che ho per la sua arte. Ci mancherà. 

CRISTINA PALMIERI

Artista di origini veneziane, è uno dei  maitres-à-penser del gruppo dei promotori della “Nuova secessione artistica italiana”, nota come  “Fronte nuovo delle arti”.

Tralasciando una puntuale trattazione biografica, che qui non ci preme, evidenziamo come sia  nella seconda metà degli anni Cinquanta che l’artista - dopo esperienze inizialmente legate alla lezione delle avanguardie storiche, dal cubismo al post-impressionismo -  si affrancherà completamente dal riferimento al reale, preferendo una pittura in cui la struttura formale si dissolve in un un intenso lirismo, laddove  le variazioni coloristiche e segniche echeggiano ritmi che si placano in leggere vibrazioni. Pur  influenzato dall’informale europeo e da certo espressionismo americano, nelle sue  opere il linguaggio gestuale non si racconta mai attraverso l’automatismo compulsivo e la drammaticità. 

Nella seconda metà degli anni Settanta Santomaso giunge ad elaborare una peculiare semantica, attraverso una pacata ricerca di armonia tra equilibrate forme geometriche, ridotte ad un’essenzialità espressiva che, ancor più di un tempo,  si attua in quella sua tipica euritmia tra forme e colori, in una raffinatezza compositiva che regala una visione quasi sacrale della pittura.  Sembra che l’autore persegua una sorta di distacco dall’emozione, per affermare con convinzione la necessità di un ordine premeditato.   Anche le fratture ed interruzioni fra le superfici delle forme non rappresentano, perciò, un’attestazione di incrinatura od un emendamento della simmetria;  consegnano altresì all’unità dell’opera una proporzione calibrata degli elementi costitutivi, costruita sull’indagine di una composizione in cui tutto è ridotto all’essenzialità. Non vi è margine per ridondanze o eccessi, che comunque non hanno mai caratterizzato la personalità del nostro, neppure negli anni in cui  la sua gestualità è più eloquente.

L’opzione è piuttosto per la risolutezza  nell’ affermare una purezza estetica che conduca ad un’astrazione bilanciata su un’architettura formale la quale si prefigge    minimalismo e sobrietà  espressivi. Sulla superficie dell’opera vi è un  attimo il quale diviene il kairós, il momento opportuno in cui poter ponderare – “dentro e fuori la coscienza” (come afferma egli stesso) – la risonanza perfetta tra gli elementi compositivi. Al di fuori di esso non è più opportuno aggiungere o sottrarre alcunché: un colore, una linea, un piccolo punto. Le linee e le forme assumono le loro proporzioni, la luce pare quella dell’ora indovinata, tutto è perfetto incastro come nei superbi mosaici della sua città d’origine. L’ordine è compiuto, in un’etica dell’arte che dovrebbe riflettere la perfezione agognata dell’umano esistere.

CRISTINA PALMIERI

“La pittura è l’arte dei colori e della forme, liberamente concepite, ed è anche atto di volontà e di creazione, ed è un’arte irrazionale, con predomino di fantasia ed immaginazione, cioè poesia.”

                                                        [ Osvaldo Licini, “Lettera aperta al Milione”, 1935]

Le parole di Osvaldo Licini, uno dei maggiori esponenti dell’Astrattismo italiano, possono condurci alla comprensione della pittura di Mark Rothko. La produzione più nota dell’artista americano, infatti, si è incentrata sulla ricerca di un’astrazione totalmente interiore e soggettiva, in cui fondamentale ruolo hanno avuto la scoperta della spiritualità espressiva del colore e l’indagine  della possibilità di calibrare, attraverso le modulazioni e variazioni cromatiche, le geometrie compositive e formali dell’opera astratta.

Quando si sceglie la libertà totale come codice comunicativo,  la pittura non può allora che evolversi nelle cromie, nei rapporti tra il segno e lo spazio, nella materialità. E’ come se l’autore decidesse di proiettare sulla tela, che diviene il palcoscenico dell’ anima, un proprio codice simbolico, il proprio mondo interiore.

L’astrattismo, soprattutto nella sua maggior tradizione europea, ha sempre amato l’ordine, gli armoniosi rapporti della geometria, la chiarezza, la pulizia, le composizioni in cui a predominare possa essere una vigorosa semplicità. Rothko recupera  questi valori, vi si addentra.

La sua pittura, forte soprattutto di marcati contrasti cromatici e di ricerche sui valori spazio-luce, considera la tela come una superficie piana e indeterminata, sulla quale ogni forma è disciolta in puri accordi coloristici proiettati sullo spazio del supporto.

Le tele di Rothko sono inquadrabili come uno sforzo di costruire l’opera a partire dall’accordo di campiture  orizzontali, in cui il colore è generalmente steso in modo piatto, puro, asettico, entro i limiti di fasce rettangolari, in una pittura totalmente aprospettica, in cui lo spazio è creato -  a partire da un tono dominante, un colore più scuro ma comunque intenso e pieno di luce -  nell’ordinata sequenza di queste bande,  talvolta severe e quasi monocordi, più spesso squillanti e vivaci. L’estrema libertà espressiva che, come detto, è presupposto del concetto dell’astrazione sembra quasi negarsi nella costante ricerca di armonia alla quale si richiama, come se l’essenza schematica delle sue composizioni, nonché l’ approfondimento degli accordi tra le tinte,  agissero il lui come costante ritorno all’ordine, come necessità di trovare una coincidenza tra realtà visiva (con le proprie leggi) e realtà spirituale.

In realtà, ad un’attenta osservazione, non sfugge che le campiture di colore sopra menzionate non vengano mai dipinte in modo netto entro limiti ben delimitati. Il colore è spesso sfumato. Quasi che l’autore volesse instillare il dubbio che non possa esistere un confine preciso fra gli elementi della realtà, qualsiasi essa sia. E’ necessario un confronto, un dialogo che non appiattisca tutto all’interno di un’uniformità precostituita e rigida. La rigidità, soprattutto di pensiero, non può che condurre all’aberrazione, quale quelle di cui il secondo conflitto mondiale si è fatto promotore.

CRISTINA PALMIERI